Antes Tarde do Que Nunca

Dangerously in Love

Beyoncé

Antes Tarde do Que Nunca - Versão Single

Work It Out
Beyoncé

Apesar de estar em algumas edições internacionais de Dangerously in Love, o primeiro single real da carreira solo da Beyoncé foi a canção Work It Out. Uma pena que, devido ao não sucesso comercial da faixa, ela tenha sido meio que deixada de lado dentro da discografia da cantora, mas precisa ser reconhecida como uma grande canção.

Produzida pelo The Neptunes, duo composto por Pharrell Williams e Chad Hugo, a canção foi usada como tema do filme Austin Powers in Goldmember, no qual Beyoncé tem um papel coadjuvante. Para emoldurar o filme, que se passa em uma versão estilizada dos anos 70, Work It Out capta perfeitamente essa vibe ao ser uma eletrizante, vintage e refinada mistura de funk, R&B e soul, que fica perfeitamente na linha entre a paródia e a reverência. E acredito que era essa a atmosfera que a produção desejava, devido ao estilo do filme. Com essa inteligência criativa, a canção se torna um trabalho especialmente marcante para quem a conhece. Todavia, o grande trunfo da faixa é a presença de Beyoncé.

Se Crazy in Love foi o momento decisivo para mostrar a força da artista, Work It Out foi o momento em que ela mostrou que poderia ter essa força. Primeira canção solo da carreira, a performance sensual, contundente e poderosa da cantora deixou bem claro que seu carisma e talento eram capazes de sustentar canções que exigem uma artista versátil e de alcance gigantesco. E é isso que ela deixa transparecer aqui, mesmo não sendo seu trabalho mais marcante. O ponto fraco da canção é a composição, que cumpre bem seu papel, mas não tem um apelo especial para amarrar as pontas soltas aqui e ali.

De qualquer forma, Work It Out é o começo perfeito, mas esquecido, da carreira solo de Beyoncé, que merece muito mais reconhecimento.

nota: 8

Primeira Impressão - Outros Lançamentos

Fleeting
Sarah Kinsley

Love to Love You, Jessie

Ride

Jessie Ware

Continuando a promoção do álbum Superbloom, a Jessie Ware entrega outro grande momento com a estilosa Ride.

Um pouco menos inspirada do que I Could Get Used to This, a canção é outro deslumbrante acerto da artista ao mostrar novas cores para a sua sonoridade. Apesar de seguir perfeitamente o caminho dance-pop/electropop, com influência pesada de post-disco, Ride segue por uma pegada mais eletrônica, que parece beber da fonte de uma sonoridade retirada dos anos oitenta devido à sua estrutura estilizada e à sua atmosfera mais eurodance. Isso não retira em nada a elegância intrínseca ligada à sempre magistral sonoridade da Ware. E a canção tem o seu ponto alto no uso surpreendente de um sample atemporal.

Boa parte da construção sonora, especialmente na parte dos refrões, vem do uso do clássico cinematográfico Il buono, il brutto, il cattivo (Titoli), que é o tema incidental do filme Três Homens em Conflito, do maestro/compositor Ennio Morricone. Esse uso é feito de uma forma tão inspirada e inesperada que cria para a canção uma personalidade completamente diferente do que a gente poderia esperar para uma música da Jessie, mas que também está perfeitamente alinhada com a sua personalidade artística.

O único problema da canção é a sua composição, mas não por ser ruim ou algo parecido. Buscando se alinhar com a personalidade da música, a escrita em Ride é bem mais contida do que o normal para um trabalho da cantora, deixando a impressão de inspiração em trabalhos importantes do gênero, especialmente os de Donna Summer, pois usa frases de efeito para dar toda a vibe, em vez de se aprofundar tematicamente. Felizmente, o trabalho é muito bem escrito dentro da sua proposta, sendo destaque o seu ótimo refrão.

Ride é outra obra de arte pop vinda diretamente de uma das melhores em atividade.

nota: 8,5

A Balada da Esposa

White Feather Hawk Tail Deer Hunter
Lana Del Rey

Novo e aguardado single da Lana Del Rey, White Feather Hawk Tail Deer Hunter é exatamente uma cápsula das qualidades da cantora. Uma pena, porém, que a produção coloque uma pedra que não deixa a canção “flutuar” perfeitamente.

Com produção da cantora ao lado de Jack Antonoff e Drew Erickson, o single é estilizado, único e texturizado, misturando art pop e toques de uma sonoridade gótica para criar um som que é claramente da artista e apenas dela. E isso é ótimo, mas parece existir uma limitação clara na construção da canção, que parece limitá-la dentro de um quadrado sonoro que a impede de explorar caminhos mais excitantes e épicos. Isso deixa a canção “achatada” e com apenas metade da força que poderia ter caso fosse mais ousada.

Felizmente, White Feather Hawk Tail Deer Hunter ainda tem outros momentos que a fazem valer a pena, especialmente vindos da ótima composição. Ao ser, claramente, uma canção de amor direcionada ao marido de Lana, a letra mantém a qualidade lírica da cantora ao transitar lindamente entre a poesia, o pretensiosismo, a polêmica e a emoção. Gosto especialmente do uso da imagem de um fogão (stove, que também será o nome do álbum) para construir a imagem de Lana como esposa.

Com uma performance única e dinâmica, a cantora ainda mostra boa parte de sua personalidade artística rara. Uma pena que a produção não esteja exatamente no mesmo nível.

nota: 7,5

2 Por 1 - Bebe Rexha

Çike Çike

I Like You Better Than Me
Bebe Rexha

Assim como fez a Raye, a Bebe Rexha decidiu seguir a carreira de maneira independente depois da forma negligente com que sua antiga gravadora a tratou. E, como primeiros singles, foram lançadas as canções Çike Çike e I Like You Better Than Me.

Nenhuma das duas canções, que são singles do Dirty Blonde, é exatamente uma Escapism, mas são bons trabalhos que já marcam positivamente a nova fase da carreira da cantora, especialmente devido à maneira sincera com que ambas são construídas. Menos inspirada está I Like You Better Than Me, pois sua produção descamba para uma mistura batida de electropop com toques de house e eletrônico que não parece muito disposta a encontrar um lugar próprio para a sonoridade da cantora.

Todavia, a produção entrega um trabalho seguro e bastante competente dentro do que escolheu seguir sonoramente, o que dá para se empolgar com a farofada em que a canção se transforma. Seu ponto alto, porém, é sua contundente composição sobre as dificuldades que a cantora tem com a própria imagem física, passando longe de ser uma lição de moral e sendo, sim, uma crônica sobre como é viver com esse peso mental. E um dos melhores momentos é quando a cantora revela o sentimento em relação àqueles que tentam “ajudar”: “So stop giving me your toxic positivity/ You know you're only making it worse”.

Com Çike Çike, Bebe mostra o que essa liberdade artística pode alcançar. Melhor canção da cantora praticamente desde que começou a carreira, o single é diferente de tudo o que ela já entregou ao ser uma ousada, divertida e intrigante mistura de eurodance, tech house, eletropop e deep house, que nunca desce aos porões dos gêneros escolhidos, mas também encontra inspiração genuína e surpreendente. A batida é incrementada por texturas únicas que fazem com que resulte em uma canção tão estranhamente interessante que fica difícil não dar atenção. Das adições na instrumentação, o solo de sax é algo desconcertante e divertidíssimo. Uma pena, porém, que a canção se limite a ter apenas um pouco mais de dois minutos, deixando aquele gosto de que faltou mais tempo para explorar tudo o que poderia se tornar. Mesmo assim, Çike Çike tem seus ótimos momentos, como, por exemplo, o refrão cantado em albanês, que é a língua materna da mãe de Bebe.

Espero que essa nova era, longe de amarras, possa ser a que vai revelar para o mundo todo o potencial de Bebe Rexha.

notas

Çike Çike: 7,5

I Like You Better Than Me: 7

Primeira Impressão

My Ghosts Go Ghost
By Storm

As 100 Melhores Músicas Que Você Não Deve Conhecer

Nos últimos anos, surgiu uma onda de serem lançados remixes de canções que não eram exatamente remixes, mas, sim, apenas a adição de participações especiais para ajudar o lado comercial das mesmas. E isso é algo que, felizmente, diminuiu bastante nos últimos tempos. Todavia, nem todas as canções são caça-níqueis baratos, pois resultam em trabalhos realmente interessantes. Só que, para a gente conhecer qual é o melhor trabalho desse “gênero”, é preciso voltar algumas décadas no tempo para lembrar do...

Primeira Impressão

Wuthering Heights
Charli xcx

Direto de 1988

Dancing On The Wall
MUNA

Saber como usar a nostalgia é uma dádiva, pois mostra o quão inteligente e criativo é o talento por trás de um trabalho. Em Dancing On The Wall, single da banda Muna, temos o caso perfeito dessa habilidade.

Claramente, a canção é inspirada no synth-pop/pop rock dos anos oitenta, mas em nenhum momento soa datada, clichê ou como uma cópia barata. Existe uma naturalidade latente que confere à canção uma linda e verdadeira força criativa, tornando-a um trabalho irresistível. E a principal razão disso é a sua lapidada, graciosa e precisa produção, que entrega uma faixa com uma construção instrumental relativamente simples, mas extremamente eficiente e cativante.

Dancing On The Wall, porém, também se beneficia de uma composição realmente inspirada. Ao falar sobre uma relação em que não existe reciprocidade, a letra conta uma história com começo, meio e fim, na qual todos os sentimentos são revelados de maneira sentimental, mas sem pieguice barata e com uma estética pop afinadíssima. Há algo na composição que é difícil de explicar, mas que nos dá vontade de cantar cada verso com força, mesmo sem termos passado exatamente pelas mesmas emoções. E, completando o “pacote”, está a presença deliciosa dos vocais de Katie Gavin, que captam perfeitamente toda a aura da canção.

Dancing On The Wall é o que chamo de uma aula sobre como fazer dar certo algo que poderia resultar muito errado.

nota: 8,5

Gostosinha Demais

Charme
Liniker

Tenho um grande apreço por artistas que conseguem se divertir com o seu ofício ao lançar canções leves, descontraídas e despretensiosas. Charme, da Liniker, é um desses exemplos.

Conhecida pelo público devido à apresentação da cantora no Tiny Desk, a canção ganha uma versão de estúdio que capta a sua essência ao ser esse trabalho que não tem a vontade de ser algo grandioso ou profundo, mas, sim, um gostosinho exercício de leveza e divertimento. A batida contagiante de Charme é o seu grande atrativo, pois é impossível ficar impassível com a atmosfera construída, que mistura pop, R&B e boogie de maneira madura e divertida. Não é para elevar a sonoridade da artista e, sim, para fazê-la simplesmente se divertir e divertir o seu público, conduzindo a canção com um carisma solar e radiante. Liricamente, a canção é um trabalho restrito pelas escolhas poéticas que, porém, não atrapalham em nada, já que as escolhas combinam com toda a vibe da canção.

Charme é simples para a gente ficar mais encantado com a presença magnética da Liniker. E isso é o suficiente.

nota: 7,5

Garoto Simpático

Homewrecker
sombr

Boa parte das canções do sombr passa a vibe de ser algo que poderia ser ótimo, mas, ao ser legal, já é meio que o suficiente. É assim com a boa “Homewrecker”.

Capitalizando no sucesso do seu álbum de estreia, a canção é uma mistura redonda, classuda e mais interessante do que parece de indie pop, pop/yacht rock com elementos de tropical music, que assenta bem quando a gente entende as raízes das influências oitentistas da faixa. Com certeza, a canção está longe de ser um grande acerto, pois não tem aquele toque especial capaz de elevar o resultado final. Todavia, existe uma verdade criativa sincera por trás da produção que faz a gente ficar convencido. Talvez, com uma parte final mais grandiosa, “Homewrecker” pudesse funcionar bem melhor, pois a canção termina de maneira anticlimática. A boa composição, com destaque para o cativante refrão, e a performance sóbria e segura do sombr ajudam a arrematar os detalhes finais da canção.

Com esse bom caminho, é possível que o sombr continue arrematando a simpatia de parte do público. Veremos.

nota: 7,5

Bossa Mitski Nova

I’ll Change for You
Mitski

De tempos em tempos, algum artista que considero talentoso tem a capacidade de me surpreender com algo que eu nunca estaria esperando. E é esse o caso da Mitski ao lançar a sublime I’ll Change for You.

Segundo single do seu novo álbum, a canção é simplesmente uma refinadíssima bossa nova que é de cair o queixo devido à sua magistral produção. Respeitando ao máximo o gênero brasileiro, mas adicionando camadas de chamber pop, jazz pop e indie pop que incrementam a canção para levá-la a um outro lugar criativo que liga diretamente com a personalidade artística da cantora. Todavia, o toque de mestre nesse caldeirão é a pitada magistral de samba que arremata I’ll Change for You com chave de ouro.

Felizmente, porém, a canção não tem apenas essas qualidades, pois tudo é construído em uma pequena e complexa “estufa” de vidro para criar uma canção rara e apaixonante. A simples e contida, mas emocional, composição é uma crônica tocante sobre uma pessoa que tenta entender o fim de um romance ao mesmo tempo que tenta descobrir uma maneira de recuperá-lo. Delicada e pungente, a performance de Mitski é um trabalho que vibra nos nossos ouvidos e corações, pois tem uma mistura de melancolia, tristeza e esperança genuína.

E com esse resultado, que contrasta criativamente tanto com o primeiro single (Where's My Phone?), Mitski vai criando uma jornada completamente inesperada para o que promete ser um dos álbuns do ano.

nota: 8,5

You Better Work

Slight Werk (Club Mix)
Honey Dijon & Bree Runway

Uma das artistas eletrônicas mais importantes da atualidade é, sem dúvida nenhuma, a Honey Dijon. A prova cabal disso é a ótima Slight Werk (Club Mix), com a presença da Bree Runway.

Eletrizante, divertidíssima e contagiante, é uma hip house/tech house com toques pesados e reluzentes de vogue e ballroom. A canção não tenta imitar esses gêneros, mas, sim, é um trabalho que remete perfeitamente a eles devido ao conhecimento prático, teórico e, digamos, espiritual da produção da Honey. Além disso, o trabalho instrumental aplicado na canção é realmente inspirado, pois mostra uma intrincada rede de construção que poderia facilmente se restringir a algumas batidas soltas aqui e ali nas mãos de alguém menos talentoso.

O arremate da canção vem por conta da ótima e cativante performance da Bree Runway, que consegue entender toda a atmosfera da canção ao moldar sua presença para se encaixar nela sem perder personalidade.

E é de personalidade como a da Honey Dijon que a gente precisa ainda mais.

nota: 8

O Caminho Médio

Die For Me
ZAYN

É bastante curioso perceber o caminho que a carreira do Zayn tomou, especialmente em comparação à do Harry Styles. Dois talentosos cantores, mas fica claro que, para o primeiro, faltou trilhar um caminho mais experimental para ter feito a sua carreira explodir como a do segundo. Isso fica claro com o lançamento de Die For Me.

O single, primeiro do seu novo álbum intitulado Konnakol, não é ruim, mas é extremamente seguro e sem um pingo de excitação. Se ele tivesse lançado a canção assim que saiu do One Direction, não faria nenhuma diferença, pois o trabalho não mostra nada de amadurecimento em relação ao que ele mostrou nesse começo da carreira solo. Die For Me é uma power balada pop soul com um instrumental poderoso e grandioso, mas meio arrastado e sem graça. A gente sabe exatamente o que esperar do começo ao fim, tirando boa parte da graça da canção, que poderia ir muito além.

É preciso apontar, porém, que vocalmente Zayn entrega uma performance espetacular ao mostrar não apenas o seu imenso alcance, mas também versatilidade inspirada e uma emoção tangível. Todavia, todo o potencial de Zayn não faz a agulha girar para uma canção melhor, pois Die For Me nasce já sendo um trabalho pouco inspirado, que não está à altura do seu talento. Uma pena.

nota: 6

O Céu de Loreen

Feels Like Heaven
Loreen

Com uma carreira intimamente ligada às suas duas vitórias no Eurovision, a Loreen ainda não havia encontrado uma canção capaz de mostrar todo o seu potencial fora desse contexto. Feels Like Heaven, no entanto, é exatamente essa música.

Sem se afastar radicalmente do território que a cantora já apresentou ao longo dos anos, o single de seu próximo álbum (WILDFIRE) é uma mistura épica, envolvente e madura de electropop, euro-trance e dark pop, que consegue fugir do lugar-comum no momento em que a produção acerta ao adicionar texturas e construir um instrumental robusto e poderoso. Na verdade, grande parte da qualidade de Feels Like Heaven vem justamente do fato de entregar um trabalho técnico primoroso, que praticamente apaga qualquer sensação de clichê ou de algo datado que a canção poderia carregar.

Outro fator determinante para um resultado tão acima da média é a presença vocal estupenda de Loreen, que entrega uma performance explosiva, emocional e deslumbrante. A forma como ela interpreta a letra é completamente única, deixando de lado aquela sensação recorrente de identificar de imediato uma canção escrita ou coescrita por Sia. Claro, depois de saber desse detalhe, é possível reconhecer a marca da autora de Chandelier na composição, mas trata-se de um trabalho competente e seguro, que não pende a balança nem para cima, nem para baixo.

Feels Like Heaven representa um novo ápice na carreira de Loreen, que pode ter em mãos um álbum realmente surpreendente.

nota: 8,5

The Fate do Mediano

Opalite
Taylor Swift

Continuando a sua saga de ser a maior artista pop da atualidade com as músicas mais sem graça do pop, Taylor Swift lança Opalite como single de The Life of a Showgirl.

Canção menos pior do álbum, o single é a que tem a batida mais legal de todo o disco, fazendo a gente até bater os pezinhos no compasso. E isso acontece especialmente no refrão que, sinceramente, funciona sonoramente melhor do que o esperado. Todavia, a canção repete todos os cacoetes de todas as outras faixas do álbum ao ser uma mistura sem força, sem criatividade e sem brilho de dance-pop com pop rock e soft rock, que não passa de uma tentativa canhestra de canção pop de verdade.

Em Opalite, porém, o maior erro está na indulgente e boba composição, que usa e abusa dos clichês que a própria Taylor criou para entregar uma chata canção sobre finalmente encontrar o amor verdadeiro. Dá para ouvir os mecanismos da cabeça da cantora funcionando ao escrever a composição, que parecem feitos apenas para serem consumidos pelo seu público, mais do que uma parte da sua exploração como pessoa e artista. Vocalmente, a canção é um trabalho seguro para a Taylor, ao não sair do lugar de conforto da sua voz.

E, sem maior esforço, a Taylor é o que temos de maior estrela pop. Bom para ela e o seu público, ruim para o resto que gostaria de mais.

nota: 6

Vazio

POSSESSION
Melanie Martinez

Algumas canções são, teoricamente, grandes e profundos trabalhos, mas que, na prática, são um completo nada. Esse é o caso de POSSESSION.

Single do novo álbum de Melanie Martinez, intitulado Hades, a canção funciona como uma crônica sobre um relacionamento tóxico, partindo da visão da vítima que ainda não conseguiu sair completamente dessa situação. A composição constrói imagens fortes, mas elas não causam o impacto esperado por conta da forma como são escritas. Tudo soa excessivamente pretensioso, sem nunca alcançar o clímax emocional que uma canção com essa temática deveria ter.

Todavia, o maior problema de POSSESSION está em sua produção vazia. Seguindo um caminho entre o alt-pop e o indie pop, a faixa entrega uma batida monótona, sem inspiração, totalmente sem força, massificada e quase irritante. É o tipo de canção que quer desesperadamente ser mais profunda do que realmente é, criando um abismo sonoro entre a intenção e o que de fato é entregue. Se não se levasse tão a sério, a música poderia ter muito mais efeito em relação à sua mensagem.

Como ponto menos negativo, Martinez apresenta uma performance madura e sólida que, dentro de suas limitações vocais, combina bem com a atmosfera da canção. Ainda assim, a presença de uma vocalista mais interessante poderia conferir alguma personalidade ao vazio que é POSSESSION.

nota: 5

Primeira Impressão

locket
Madison Beer

O Encontro Pop

Stateside + Zara Larsson
PinkPantheress & Zara Larsson

Existem alguns unicórnios na música, e um deles é a existência de um remix que consegue ser melhor do que a canção original. Esse feito raro é alcançado no remix de Stateside, de PinkPantheress, ao lado de Zara Larsson.

Uma das melhores canções de Fancy That, o single original já era a prova de que a "sonoridade da PinkPantheress estava se direcionando para uma abordagem mais eletrônica, incorporando influências de house e EDM para enriquecer sua já sólida identidade musical". No remix, a produção — sabiamente — mantém essa base, mas altera o suficiente para que a faixa se apresente, de fato, como um remix verdadeiro, graças a adições muito bem-vindas em sua construção.

A mais pungente delas é a batida mais marcante de electroclash/EDM, que eleva ainda mais o impacto sonoro da canção e se alia perfeitamente à presença de Zara Larsson.

É aqui que o remix realmente brilha. Ao convidar a sueca, a música poderia facilmente optar por caminhos seguros e previsíveis, mas prefere integrar genuinamente a personalidade da convidada à mistura, criando uma parceria real entre as duas artistas. Essa decisão transforma a faixa na fusão ideal de duas potências do pop — e o resultado é recompensador: uma canção que não só rivaliza, como consegue superar a original, realizando um verdadeiro milagre musical.

nota: 8,5

O Retorno Depois do Sucesso

Where's My Phone?

Mitski

Depois do sucesso comercial inesperado de My Love Mine All Mine, Mitski está de volta com o lançamento de Where’s My Phone?, primeiro single de Nothing’s About to Happen to Me.

É fácil perceber que a canção não tem relação direta com seu single de sucesso, mas, felizmente, continua mantendo o nível artístico da cantora bastante elevado. Trata-se de uma faixa reconfortante, madura, graciosa e com forte estética vintage: um noise pop com garage rock que claramente se inspira nos anos setenta, com uma camada noventista, sem, no entanto, soar como um simples exercício de nostalgia. Na verdade, Where’s My Phone? apresenta um trabalho instrumental incrível e complexo, repleto de camadas, que vão se desenrolando gradualmente até alcançar algo muito mais climático e poderoso do que sua primeira metade deixa transparecer. Esse é, sem dúvida, o grande trunfo da canção.

Liricamente, a faixa não é de digestão fácil para quem busca algo mais direto e palatável. Não se trata de uma escrita complexa em sua forma, mas Mitski possui uma capacidade impressionante de expressar sentimentos difíceis de maneira elaborada, sem jamais soar pretensiosa. Aqui, fica claro que a cantora busca traduzir uma angústia existencial típica do mundo contemporâneo, em que estamos constantemente cercados de coisas, mas ainda assim podemos nos sentir vazios e perdidos. Mitski entrega uma performance vocal sólida e poderosa, que se encaixa perfeitamente na proposta da canção; ainda assim, é preciso apontar que a mixagem vocal deixa um pouco a desejar, já que sua voz acaba ficando abaixo do instrumental devido às escolhas de efeitos adotadas.

De qualquer forma, Where’s My Phone? se firma como um dos melhores momentos deste início de ano, que promete ser repleto de destaques como este.

nota: 8

O Sábio

Death of Love
James Blake

Uma das maiores qualidades de James Blake é manter, a cada nova canção lançada, a sua personalidade artística intacta, mas adicionando novas nuances para sair da mesmice. Esse é o caso da ótima Death of Love.

Primeiro single do álbum Trying Times, a canção é um típico trabalho do britânico ao unir, com inteligência e graciosidade, uma mistura de eletrônico, UK bass, R&B, downtempo e trap, criando uma sonoridade madura, vigorosa e bastante familiar. Todavia, Death of Love não é uma mesmice sonora devido à inteligência criativa da produção, que adiciona texturas excitantes para dar vida à canção.

A principal e mais sentida delas é a introdução de um toque religioso, perceptível no sample vocal em hebraico e no coro presente em parte da canção. Dessa maneira, a faixa ganha uma camada de significação mais profunda ao ligar essa atmosfera religiosa à experiência sobre as consequências do fim de um amor, tema abordado na ótima composição, que consegue ser devastadoramente emocional sem soar piegas ou excessivamente dramática.

Com uma performance que exala toda a sua personalidade, mas que é capaz de encontrar perfeitamente novos lugares para explorar, James Blake mostra como se manter fiel a si mesmo e, ao mesmo tempo, buscar novos caminhos.

nota: 8,5

Tema Filler

Wall of Sound
Charli xcx

Se a adaptação de O Morro dos Ventos Uivantes parece que vai ser um dos filmes mais divisivos do ano, a soundtrack feita por Charli XCX parece que vai ser um dos álbuns mais interessantes do ano. E olha que Wall of Sound é a menos impactante até agora.

A grande qualidade da canção é a capacidade de criar algo flertando com o orquestral/clássico sem perder a essência eletrônica da artista, criando um amálgama muito bem estruturado. Isso é ouvido perfeitamente na poderosa instrumentalização que dá à canção uma atmosfera épica, cinematográfica e “brat”.

O problema de Wall of Sound, porém, é que a canção não chega de verdade à explosão que a sua base promete alcançar, deixando o gosto de ser uma faixa que funciona bem dentro do álbum, mas que, como single, deixa clara sua natureza filler. Outro problema é a sua composição, que não chega a fazer feio tematicamente, mas deixa espaços vazios em uma letra quase burocrática e com um refrão apenas ok.

De qualquer forma, a canção é um caminho muito auspicioso para que Charli XCX entregue mais uma era inspirada para a sua carreira.

nota: 7,5

Um Reencontro

2SIDED
Arlo Parks

Fazia um tempo que não escutava nada da Arlo Parks, mas fico bastante feliz em me deparar com a ótima 2SIDED.

Primeiro single de seu novo álbum (Ambiguous Desire), a canção representa uma mudança bem interessante em relação ao que eu lembrava da cantora, ao partir para uma competente construção de alt-pop com influências de drum and bass e house. Não é nada revolucionário, mas funciona de maneira tão azeitada que nos envolve completamente.

Há um toque de PinkPantheress, mas 2SIDED se beneficia da presença marcante e, ao mesmo tempo, delicada de Arlo, que tem um timbre e uma maneira de cantar tão peculiares que injetam personalidade na canção de forma indiscutível. Além disso, a composição deixa visível sua precisa capacidade criativa de entregar emoção genuína.

Um feliz reencontro com Arlo Parks, que também pode ser o descobrimento da cantora para quem nunca a conheceu.

nota: 7,5