Rainha Rina

This Hell
Rina Sawayama

Dona de um dos melhores debut pop dos últimos dez anos, a Rina Sawayama prepara para lançar o sucessor de Sawayama com o lançamento de Hold the Girl em setembro. Como primeiro single foi lançada a divertidíssima This Hell.

Voltando os seus olhas para o rock, a cantora lançar em This Hell uma versão pop/dance extremamente divertido, energético, viciante e levemente brega. Acredito que a canção seja uma espécie de homenagem/imitação/pastiche das influencias rock na discografia da cantora, especialmente quando se olha a sua ótima regravação de Enter the Sandman do Metallica. Não é exatamente para se levar a sério como a versão de Rina do rock, mas a produção de Clarence Clarity e Paul Epworth entrega uma canção realmente sólida e com um instrumental sensacional com pontos extras para o ótimo solo de guitarra. E quando se nota essa ideia por trás de This Hell é que se pode curtir a composição cliché sobre não precisar ser aceito pela sociedade para poder viver feliz ao fazer uma metáfora sobre como é melhor ir para o inferno do que viver escondendo quem é de verdade. O que continua idêntico aos outros trabalhos de Rina é a sua maravilhosa entrega vocal que, além de completamente versátil, consegue mostrar potencia sem exageros. E como esse começo auspicioso, Rina entra na sua nova era com dois pés direitos.

nota: 8

Uma Segunda Chance Para: Bang Bang

Bang Bang (feat. Ariana Grande & Nicki Minaj)

Jessie J

“Camp é a experiência do mundo consistentemente estética. Ela representa a vitória do 'estilo' sobre o 'conteúdo', da 'estética' sobre a 'moralidade', da ironia sobre a tragédia”. É até relativamente fácil encontrar exemplos claro do camp na música, mas existem alguns que não são tão levados a sério como uma obra que ostenta essa qualidade. Esse é o caso de do smash hit Bang Bang da Jessie J.

Acredito que muitos não percebem que a canção lançada há oito anos atrás pode ser qualificada como camp é o fato de muitos encararem a canção de maneira muito séria dentro do mundo pop. Entretanto, Bang Bang precisa encarada como uma explosão de tudo que o pop tem de mais irritante, mas feito de maneira deliberadamente exagerada, divertida, colorida, contagiante, superficial e com uma pretensiosidade deliciosa. Começa obviamente pela performance exageradíssima da Jessie J. Norma constante da carreira da britânica, os vocais de Jessie aqui encontram um dos seus ápices de gritarias e firulas vocais, mas tudo funciona perfeitamente devido a estilo “large than life” que toda a canção exala. Em canções menos grandiosas, digamos assim, a voz da cantora parece dominar mais do que deveria e termina ofuscando ou/e salvando todo o resto. Em Bang Bang, porém, a cantora entrega a sua versão vocal da atuação da Faye Dunaway em Mommie Dearest como a atriz Joan Crawford. Além disso, o “elenco” de apoio da canção também não deixa a deseja. 

Ariana Grande é como se fosse a coadjuvante que leve um pouco sério demais o seu papel, entregando uma performance sólida nos momentos que brilha sozinha. Essa distancia entre o que é a canção e a sua performance também é outra amostra sobre o quanto camp é Bang Bang. Já Nicki Minaj embarca completamente na vibe da canção ao entregar a sua mais caricata, contagiante e poderosa performance em uma canção pop sendo um featuring. Produzida Max Martin, Rickard Göransson e Ilya, a canção é exatamente o que se esperada de uma canção como essa pegada ao ser uma mistura de pop, soul, eletropop e R&B que eleva tudo ao volume onzes sem olhar para trás em nenhum momento, especialmente no seu frenético e marcante clímax final embalado pelo grudento refrão. Não que Bang Bang venha envelhecendo como vinho, mas, sim, que depois desses anos posso admirar a canção pelo o que realmente é de verdade desde o seu lançamento.

nota: 8

New Faces Apresenta: FLO

Cardboard Box
FLO

Recentemente, o Little Mix anunciou um hiato na carreira, deixando um espaço vago para ser ocupado por uma girlband dentro do mainstream pop. E esse grupo pode ser do trio de novatas FLO. Formado por Jorja Douglas, Renée Downer e Stella Quaresma, o grupo já tem um EP para ser lançado ainda esse ano e como primeira canção foi lançada a ótima Cardboard Box.

Cardboard Box é, provavelmente, a canção que melhor captura o que o Destiny’s Child estaria fazendo atualmente se a girl band tivesse surgido atualmente: um R&B cativante, radiofônico, divertido e de personalidade ímpar. Boa parte dessa qualidade é devido a produção redonda e inteligente do produtor MNEK que tem trabalhos como nomes como, por exemplo, Dua Lipa, Christina Aguilera, Beyoncé, Kylie Minogue e, claro, o Little Mix. Outro ponto forte da Cardboard Box é a sua ácida e inteligente composição sobre um pé na bunda bem dado que lembra diretamente trabalhos como Say My Name e Bills, Bills, Bills, mas, felizmente, encontra personalidade suficiente para brilhar com humor e ótimas sacadas. Vocalmente, ainda é cedo para apontar definitivamente as integrantes como uma força pop, mas aqui é possível sentir todo o potencial em uma performance realmente sólida e especial na harmonização. Agora é esperar para saber se o FLO serão as próximas supremas das girlgroups.

nota: 8

Um Pouco a Mais

No Love (Extended Version) (feat. SZA & Cardi B)

Summer Walker

Enquanto enfrentamos uma onda de frio imensa, o verão americano se aproxima com rapidez e com isso surge as famosas músicas do verão que fazem gigantescos sucesso nessa época do ano por lá. Ainda é cedo para saber qual ou quais serão as candidatas para 2022, mas acho que No Love da Summer Walker em versão estendida não será essa canção.

Uma boa e redondinha R&B, a canção tem uma batida bastante gostosa de se ouvir e, sinceramente, o resultado é até viciante. O problema é que a canção não dá o boom que uma canção dessa precisa para ser realmente marcante. E o maior erra é desperdiçar a presença da Cardi B. Relegada apenas alguns versos bem do começo da canção, a rapper não tem muito o que fazer e não adiciona nenhuma gota de personalidade para a canção devido ao fato que a mesma apenas “canta”. Já presente na versão original, SZA brilha e tem uma química ótima com a Summer Walker, mas isso já tinha sido visto na versão original. Uma pena que No Love termine sendo apenas boa, mas bem esquecível.

nota: 7

KaBOOOOOOOOOOOOOOMMM

Welcome to Hell

black midi

Uma das minhas “descobertas” mais felizes do ano passado, a banda black midi não está disposta a deixar o fogo da criação apagar e preparam o lançamento do álbum intitulado Hellfire. Como primeiro single foi lançada a genial Welcome to Hell.

Explosiva, complexa, gigantesca, exuberante, atordoante, intrigante, inesperada, intricada, épica e de tirar o folego. Esses são apenas alguns adjetivos que consigo encontrar para qualificar a experiência de ouvir Welcome to Hell. A produção simplesmente pega todas as qualidades da banda e a adiciona em uma canção de apenas quatro minutos que tem como único defeito o fato que a mesma tem um fim. Essa sensação de estamos ouvindo algo gravado que parece uma impressionante improvisação é simplesmente genial, pois dá para a canção uma vibe de sempre se renovar a cada nova audição. A impressionante instrumentalização é algo que não há muitas palavras para descrever, pois é de uma grandiosidade meticulosa de estontear. Nas mãos de outra banda, cada mudança de caminho a canção faz nesse caldeirão de art/avant/experimental rock poderia render uma canção, mas o black midi transforma em apenas uma com uma coesão espetacular. A composição é de uma genialidade absurda ao ser uma crônica feroz e desoladora sobre as consequências desoladoras da guerra. Welcome to Hell é o tipo de canção que a gente não sabia que precisa ouvir, mas que depois se torna algo que a gente não sabe como viveu sem conhecer.

nota: 9,5

De Volta a Um Tempo de Que Não Vivi

The Foundations of Decay
My Chemical Romance

Apesar de terem tido o ápice durante os meus anos de adolescência devo admitir que a onde emo dos anos dois mil nunca tiveram a minha atenção realmente, mesmo que tenha apreciado os trabalhos mais recentes de nomes como Fall Out Boy, Panic! At the Disco e, especialmente, o Paramore. Um dos principais nomes dessa época que não tinha cruzado o meu caminho durante a sua maturidade por aqui era o do My Chemical Romance que não lança um trabalho realmente novo desde 2010. Em The Foundations of Decay, primeiro possível single do próximo álbum, a banda volta madura e pronta para mostrar uma nova fase da banda. Uma pena que ainda não eu tenha gostado de verdade.

A principal qualidade da canção é a sua gigantesca, pomposa e bem construída instrumentação e a sólida produção que entrega um trabalho maduro e de um potencial incrível. Transitando bem entre o rock progressivo, o emo e hard rock, a canção tem um apelo atemporal que realmente deixa claro certa evolução artística do My Chemical Romance. Entretanto, o poderia ser uma canção sensacional é rebaixada devido a péssima decisão vocal ao terem a grande ideia de colocar a voz de Gerard Way em um efeito abafado que parece deixar por baixo do arranjo. É como se estivéssemos em um show e o retorno do som dos instrumentos estivessem bem mais nítidos que dos microfones. Apenas no final que a decisão parece funcionar, mas isso já é tarde demais já que The Foundations of Decay não alcança o voo que poderia ter devido a sua incrível produção, mesmo sendo um trabalho interessante. Uma pena.

nota: 7

A Melhor Nova Velha Taylor

This Love (Taylor's Version)
Taylor Swift

De todas as canções regravadas pela Taylor Swift até o momento, a que mais gostei do resultado foi a de This Love. Especialmente devido a fato da nova versão ser o mais parecido com a discografia mais recente da cantora.

Parte do álbum 1989, a canção na sua versão original era balada linear indie pop/synth-pop que não passava nada mais que o normal para uma canção dessa era da cantora. Em This Love (Taylor's Version), porém, a canção ganha uma excelente e delicada camada de electropop que dá força emocional para o resultado final e eleva a canção para um patamar diferente. E isso é o suficiente para dar o suporte suficiente para a boa composição realmente se mostrar em toda a sua glória. Até mesmo os vocais de Taylor estão bem mais encorpados, criando um efeito sentimental mais maduro que cai como uma luva para a canção que se torna uma interessante visita ao passado pelos olhos da atual Taylor. Ainda não é genial, mas mostra que a cantora realmente amadureceu artisticamente.

nota: 7,5

O Poder Do Sample

Vegas
Doja Cat

Irei fazer uma afirmação forte, mas que acredito que seja realmente verdadeira: com o material certo nas mãos, a Doja Cat é insuperável. Uma pena que a artista tenha que passar por tanta coisa medíocre para entregar canções como a ótima Vegas.

Fazendo parte da trilha do filme Elvis sobre a estrela do rock, a canção tem a engenhosidade e inteligência de usar o sample de um dos sucessos do cantor para dar base para a canção em Hound Dog. Todavia, a versão aqui escutada fortemente é a versão original em forma de blues da cantora Big Mama Thornton. Ao tomar essa decisão, a produção resgata as verdadeiras origens do rock na música negra para criar um tem para um filme que espero mostre esse cenário. Com essa base poderosa, Vegas já ganha qualidade, mas também acerta devido a sua deliciosa batida R&B, blues e hip hop. O uso do sample poderia ser ainda mais explorado, mas isso não tira o brilho do resultado final e, especial, a sensacional performance de Doja. Divertida, despretensiosa, sexy e com personalidade bem definitiva, a rapper/cantora se mostra bem mais interessante quando a mesma tem em mãos uma canção tão boa quanto é Vegas.

nota: 8

Primeira Impressão

Chloë and the Next 20th Century
Father John Misty

Grandiosidade Genial

The Next 20th Century
Father John Misty

Canção que encerra o sensacional álbum do Father John Misty, The Next 20th Century é também a última parada na viagem sonora que o artista propõe em uma ode grandiosa ao rock alternativo.

Com quase sete minutos, a canção constrói toda uma atmosfera misteriosa, densa, intricada e inesperada devido a sua mudança de instrumentalização bem no seu meio. Caminhado de forma linear, mas sempre requintada, a produção tem esse momento de quebra de expectativa com a adição de guitarras explosivas que criam esse momento de tensão para depois voltar ao mesmo caminho da primeira metade. Essa decisão ajuda a transformar The Next 20th Century em um trabalho avassalador de indie rock/art rock com toques de heavy metal que é a base ideal para a longa, complexa, profunda, robusta e reflexiva composição sobre a visão de Father sobre a indústria do entretenimento. Não apenas uma canção genial, The Next 20th Century é uma das melhores faixas de encerramento de um álbum dos últimos tempos.

nota: 9

Antes Tarde do Que Nunca - Versão Single

Get Right
Jennifer Lopez

Apesar de ter outras canções de maior sucesso durante a sua carreira, a Jennifer Lopez guarda um momento na sua carreira que parece passar batido pelo imaginário de uma grande parcela do público. Todavia, é necessário lembrar que 2005 foi lançada um dos principais sucessos da década, especialmente mundialmente, e o que pode ser facilmente de melhor canção da cantora: Get Right.

Lançada em 2005 como primeiro single do álbum Rebirth, acredito que o motivo que a canção não esteja tão fixada na memoria coletiva do pop devido ao fato da mesma estar localizada em um momento complicado da carreira e vida da J.Lo. Primeiramente, a cantora tinha acabado de sair de furacão que foi o seu primeiro relacionamento com o Ben Affleck que praticamente ajudou a criar a cultura do shippar e a fez ser super exposta na mídia. Em segundo, a canção começou um era de venda em declínio para a cantora, deixando para trás as vacas gordas dos quatro primeiros álbuns. E, por fim, Get Right foi uma mudança drástica na sonoridade da cantora que não desceu fácil para parte do público, especialmente para o dos Estados Unidos. Mundialmente, porém, a canção foi um grande sucesso em países como Inglaterra, França, Australia e Canada. Quase vinte anos depois, Get Right é o tipo de canção que realmente merece uma olhada com carinho, pois se mostra bem mais interessante que parece ser.

Originalmente, a canção foi gravada pelo Usher para o seu álbum Confessions, mas quando o mesmo não conseguiu criar o que realmente queria coma canção o produtor Rich Harrison resolveu dar para Jennifer. Por isso, Usher teve que ter sue nome credito como coautor da canção mesmo que a mesma tenha sido retrabalhada. Get Right é uma mudança e tanto na sonoridade da cantora ao entregar uma explosiva e marcante dance-pop/funk que é provavelmente a canção com maior personalidade da discografia de Jennifer. Desde a sua primeira nota, a canção já se mostra uma canção recheada de atitude ao usar pesadamente o sample de Soul Power 74 gravada por Maceo and the Macks e escrita por James Brown em 1973. Essa decisão dá corpo, alma e coração para a canção que ganha contornos mais encorpados, maduros e atemporais. Marcante, divertida e dançante, a canção tem um dos clipes mais marcantes da carreira da artista em que a mesma interpreta várias versões de si mesma em uma balada. Com um refrão poderoso e viciante, a canção não quer ser uma obra lírica genial, mas é boa o suficiente para ser uma mistura de empoderamento com vamos curtir a noite como se fosse a última. Vocalmente, J.Lo nunca foi uma grande cantora e isso não é segredo para ninguém, mas em Get Right a cantora acerta o tom em uma performance forte e bastante adequada a canção. Dona dos melhores momentos nas apresentações da cantora ao vivo, Get Right deveria ser laureada como um grande momentos da música pop dos anos dois mil sem nenhuma dúvida.

nota: 8

King is Back

The Heart Part 5
Kendrick Lamar

Depois de um hiato de cinco anos sem lançar algo solo, Kendrick Lamar finalmente lança uma nova canção como preparação para o lançamento de Mr. Morale & the Big Steppers, o seu quinto álbum. A primeira canção lançada como single promocional é a genial The Heart Part 5.

Parte de um sequencia de lançamentos com o titulo The Heart, a canção é um dos melhores trabalhos da carreira do rapper até o momento. Começa pela sua soberba e genial produção capitaneada por Beach Noise que transforma a canção em uma impressionante, grandiosa, poderosa e impecável conscious hip hop que agrega camadas vigorosas de jazz, soul e funk, especialmente devido ao sample de I Want You do Marvin Gaye de 1976. Imponente, épica e de uma criatividade única, The Heart Part 5 se beneficia dessa sensação que o jazz traz de improvisação que transforma o resultado em algo revigorante já que cada vez que se escuta parece a primeira vez. Kendrick Lamar entrega uma performance devastadora como em qualquer grande música da sua carreira, mas a sua entrega aqui parece ainda mais madura, refinada e incrivelmente atemporal. E acredito que a temática da canção ajuda para essa performance, pois, novamente, Lamar entrega uma magistral e urgente crônica sobre o que é ser um homem negro na nossa sociedade. Com um começo tão genial é obvio que o Kendrick Lamar está prestes a lançar um álbum com qualidade que apenas Kendrick Lamar pode entregar.

nota: 9,5

Ensolarou

Western Wind
Carly Rae Jepsen

Depois de se tornar uma diva pop por total direito, a Carly Rae Jepsen se tornou uma artista pop que existe um hype real pelos lançamentos de suas novas canções. Em Western Wind, primeiro single do seu novo álbum ainda sem nome, a cantora faz o seu retorno de maneira surpreendente, mas ainda mostrando que vale a pena esperar pelas suas canções.

Ao contrário do muitos podem pensar, Western Wind não é exatamente a era Solar Power da Carly, mesmo que tenha semelhanças. Enquanto a última era da Lorde não parecia tão natural para a sua persona artista, a canção de Carly combina bem mais com o que a mesma veio entregando até o momento, especialmente devido ao fato de ser uma nova faceta na sua exploração do pop. Uma eletropop/indie pop com uma atmosfera ensolarada, doce, leve e delicada, Western Wind tem uma produção fluida que consegue acrescentar nuances sem fazer a canção soar forçada ou deslocada da sua dona. Em especial, a sua parte final é bastante encorpada e cativante, pois parece a união de todo que dá certo para a canção. Carly entrega uma performance fofa e aveludada, mas que parece um pouco deslocada devido a produção vocal. Entretanto, a composição é um trabalho que realmente cola as pontas soltas devido a sua organicidade com a atmosfera da canção. Agora é esperar o resultado dessa nova era da Carly Rae Jepsen que começa de maneira no mínimo interessante.

nota: 7,5

Sumidinha

Becoming All Alone
Regina Spektor

Existem alguns artistas que somem por um tempo e só depois que voltam que a gente se lembra deles. Infelizmente, esse é o caso da ótima Regina Spektor que lançou a interessante Becoming All Alone.

Primeiro single do seu próximo álbum, a canção é uma edificante, emocionante, estranha e única indie pop que exala a personalidade única de Regina. A instrumentalização é um trabalho impressionante, principalmente devido a sua construção cheia de altos e baixo e o cuidado com cada peça que faz parte. Apesar da inteligência da composição e a sua temática difícil de trabalhar ao falar sobre ao sentimento que todos temos de saber qual o motivo para estarmos vivendo, o resultado poderia ser mais soco no estômago do que essa bonita e um pouco fria poesia sobre a insustentável leveza do ser. Entregando uma performance que lindamente acompanha as idas e vindas da produção, Regina mostra que deveria ser mais lembrada quando estiver em hiato.

nota: 8

Primeira Impressão

Melt My Eyez, See Your Future

Denzel Curry

Primeira Impressão

Familia
Camila Cabello

A Incomparável

No One Dies From Love
Tove Lo

Na minha opinião, a Tove Lo é um dos melhores nome da música pop da atualidade. Depois de entregar a ótima How Long para a trilha da série Euphoria, a cantora lança a sensacional No One Dies From Love.

Primeira canção lançada pela sua própria gravadora Pretty Swede Records, a canção é a nata do que a cantora sabe fazer de melhor. Uma refinadíssima synthpop com uma produção inteligente e de um tino pop impressionante. No One Dies From Love não reinventa a roda e, sim, recria a mesma com criatividade suficiente para fazer da canção refrescante e, ao mesmo tempo, reconfortante. A grande sacada aqui é a construção atmosférica que começa contida e sufocante e vai se tornando grandiosa e libertadora ao decorrer da canção, sendo espelhada pela composição. Aliás, a lírica da Tove Lo é outro ponto que a diferente: com uma carga emocional sempre alta e pertinente, a cantora entrega aqui uma crônica sobre a dor de perceber que o seu relacionamento realmente acabou e não há que possa ser feito. E de tijolo em tijolo, a Tove Lo vai construindo uma das carreiras mais icônicas no pop contemporâneo.

nota: 8

Uma Surpresa Bem Vinda

Somebody Like You
Bree Runway

Mais conhecida pelos seus dotes de rapper, a Bree Runway mostra em Somebody Like You o seu melhor momento até o momento ao apostar pesadamente no seu lado cantora.

Com uma voz melhor que o esperado, Bree sustenta a canção com uma força realmente inesperada e com um alcance impressionante ao saber dar nuances para uma performance forte e encantadora, lembrando bastante a Brandy. Sinceramente, não estava esperando uma performance tão boa como a ouvida em Somebody Like You, mas isso não seria suficiente para entregar uma canção que fosse tão boa. Outro ponto alto do single é a sua inspirada produção que cria uma densa e elétrica balada power R&B/pop com toques de pop rock que parece emoldurar uma sonoridade dos anos oitenta, especialmente a sonoridade do Phil Collins. Existe uma versão orquestrada que consegue elevar o resultado final de Somebody Like You, mas só a versão normal já é suficiente para deixar bem claro a artistas incrível que a Bree Runway vai se transformando.

nota: 8

A Rainha dos Temas

Hold My Hand
Lady Gaga

Continuando a sua trajetória intimamente ligada ao cinema, Lady GaGa se tornou a dona do tema do filme Top Gun: Maverick com a canção Hold My Hand. E novamente, a cantora se mostra a altura para preencher o espaço de um grande momento da cultura pop.

Depois de estar a altura de Judy Garland e Barbra Streisand para estrelar e cantar em Nasce uma Estrela, GaGa entra para ser a sucessora de um dos grandes temas da história do cinema: Take My Breath Away da banda Berlin. Tema do primeiro filme em 1986, a canção venceu o Oscar de Melhor Canção e ocupa um lugar na história como uma das grandes baladas pop da história e uma das principais canções dos anos oitenta. Em Hold My Hand, a cantora não chega perto desse legado, mas não passa feio com uma canção sólida e que cumpre com louvor seu papel. Uma balada power pop, a produção acerta na grandiosidade e certo exagero da canção, combinando perfeitamente com a vibe que esperamos desse tipo de tema cinematográfico. A composição é dramática, cliché, piegas e deliciosamente envolvente, especialmente no ótimo refrão, o que ajuda a canção a se encaixar na vibe geral da proposta. O grande trunfo de Hold My Hand é a avassaladora e épica performance de GaGa, tirando o comecinho que um estranho efeito vocal que está completamente deslocado do resto da canção. Esse seria um segundo Oscar para GaGa? Apesar de longe da próxima cerimonia e tendo ainda muita coisa para ser lançada, Hold My Hand é o tipo de canção que pode facilmente dar a honraria novamente para a Mother Monster.

nota: 7,5

FI: Fofo e Inofensivo

Love Me More

Sam Smith

Depois de uma tropeçada com o lançamento do terceiro álbum, Sam Smith se prepara para o lançamento do quarto álbum. Com a divulgação de Love Me More para que teremos uma “back to basics”.

Essencialmente, Love Me More é uma adorável, fofa e inofensiva pop soul com forte influencia do da cena britânica com toques de gospel, trip hop e uk bass. Sem pretensões de ser genial, a canção conquista pelos sempre aveludados de Sam que continua a mostrar o seu diferencial em uma performance segura. A composição é boa, pois mostra que Sam vem encontrando seu lugar no mundo ao aprender a amar a si mesmo verdadeiramente. Entretanto, a canção não tem o mesmo apelo comercial que os seus principais lançamentos, terminando em um filler do que um potencial sucesso. De qualquer forma, Sam começa uma nova era de maneira positiva e bem intencionada.

nota: 7

New Faces Apresenta: Ethel Cain

Strangers
American Teenager
Ethel Cain

Nos últimos anos, a escolha de revelação ao final de cada ano vem sido mais pelo sucesso que os artistas novatos tiveram do que pela qualidade que os mesmos entregaram. Acredito que esse ano possa ser diferente, especialmente com os novos nomes que vem ganhando destaque recentemente. Esse é o caso da Ethel Cain que prepara o lançamento do seu primeiro álbum (Preacher’s Daughter) para esse ano. E os singles Strangers e American Teenager mostram que a jovem veio para marcar o seu nome a fero e fogo.

Ethel Cain é dona de uma lírica muito peculiar, inteligente e com uma estética refinadíssima. Com uma forte atmosfera de nostalgia e uma visão única sobre o jeito de viver americano, a jovem consegue criar crônicas ácidas e melancólicas sobre a vida cotidiana de uma adolescente/jovem adulta média estadunidense. Em American Teenager, a artista explora esses sentimentos com perfeição ao fazer uma crônica sobre a vida idealizada de uma jovem, especialmente sobre os sonhos que nunca se realizam. Um trabalho espetacular que consegue de maneira desconcertante fazer um retrato sobre um estilo de vida idealizado que, na verdade, escode uma pilha de sentimentos profundos, complicados e com feridas que parece não se curar. Sonoramente, American Teenager é uma marcante e inspirada mistura de dream pop, indie rock e toques de folk que invoca com precisão toda essa força emocional ao ser o ponto de estranheza que consegue amarrar todas as pontas. Entretanto, Ethel Cain alcança outro patamar ainda mais alto com a sensacional Strangers.

A canção mostra uma das características da artista ao ter a religião como um dos envolvidos nas suas crônicas. Strangers é sobre os sentimentos de contradição entre querer seguir os seus sentimentos e desejos ou respeitar a sua criação com ênfase na religiosidade que cercaram a sua criação. E isso é representado de maneira impressionante pela bela, delicada, angustiante e cortante composição de Ethel que meio que esconde em as suas intenções verdadeira em falsa noção de romance entre os seus versos. Entretanto, quando se olha com um pouco mais de atenção se perceber a força real da canção, especialmente no verso final quando a mesma toma a visão de olhar para trás ao ponderar sobre tudo que viveu. Sonoramente, a canção é uma espetacular power balada indie pop/rock que consegue transmitir bem toda a força lírica ao ser uma slow burn, começando de forma delicada e calma para se transformar em uma explosão a base de guitarras para depois terminar de maneira minimalista e delicada. Com duas canções nesse nível, Ethel Cain é com certeza o nome para se acompanhar em 2022 com todo o cuidado.

notas

Strangers: 8,5

American Teenager: 8

Batidão Fino

Let’s Do It Again
Jamie xx

Depois de algum tempo escutando Let’s Do It Again dá para entender um pouco o motivo de quem gosta de ir para os famosos shows de música eletrônica e ficar “fritando” durante dias sem parar. Quando o trabalho do produtor/DJ Jamie xx é que a gente lembra que nem todas as canções tocadas nessas festas são tão boas como é o caso de Let’s Do It Again.

Uma das melhores produções do ano, Let’s Do It Again é uma intensa, eletrizante e cativante EDM/progessive house com toques de gospel que funciona devido a profundida de nuances e texturas que Jamie adiciona no resultado final. Grandiosa sem soar pretenciosa, pois respeita a base do gênero e, principalmente, entregar uma bela canção eletrônica, a canção poderia ser genial coma adição de uma letra melhor pensada, pois acredito que esse seja o tipo de canção eletrônica que carece de uma letra e não apenas a repetição de frases de efeito. Não que o parco trabalho aqui seja ruim já que consegue combinar com a energia da canção, mas um verso completo poderia dar um sentido mais refinado para Let’s Do It Again. De qualquer forma, a canção mostra Jamie xx como um dos melhores nomes da música eletrônica da atualidade sem nenhum tipo de dúvida em questão de “fritação de qualidade”.

nota: 8

Primeira Impressão

Glitch Princess
Yeule

O Poder do Contido

Too Dead Inside

Yeule

Em Too Dead Inside, single de Glitch Princess, Yeule alcança um nível emocional alto sem precisar de nenhum arrombo sonoro, mas, sim, se baseando no minimalismo.

Sonoramente, a canção é uma mistura de art pop/eletrônico que se baseia em uma instrumentalização linear na sua superfície, mas apresenta nuances ricas e inesperada de dancehall/R&B que criam uma atmosfera única. Muito bem pensada, Too Dead Inside poderia perder força se não tivesse uma composição tão tocante e profunda. Ao falar sobre os seus demônios internos e a sensação de vazio que sente, Yeule entrega uma crônica sincera sobre sentimentos densos que atormentam muitas pessoas de forma inteligente, contida e com uma força criativa impressionante sem recorrer a saídas fáceis ou sentimentais. Concisa, áspera e desconcertante, a canção é um dos momentos mais impressionantes até o momento de Yeule.

nota: 8